artist jeweller @ australart.com
The title came to me in French: “atout coeur” which is how you would announce your choice of trump for heart in a card game such as bridge. My personal way of stating how I want to play the game of my life… who wants to play with me?
Le titre m’est venu en français: : « atout cœur »., c’est ainsi que l’on annonce son choix d’atout pour le « cœur » dans un jeu de carte tel que le bridge. Ma façon de dire comment je veux jouer le jeu de ma vie… qui veux jouer avec moi ?
Another busy day… necklace finished and photographed by 3.40pm before going to two meetings late afternoon and evening! And I did manage to fit a walk on the beach at sunset between meetings – a very good day, really!
Une autre journée bien occupée… le collier fini et photographié avant 15h40 avant d’aller à deux réunions en fin d’après-midi et le soir ! Et j’ai même réussi à aller me promener sur la plage au coucher du soleil entre les réunions – un vraiment bonne journée !
This piece was inspired by Otto Kunzli’s 1984 Beauty gallery serie: “Susi, Andrea and Sabine” that I saw recently at the wonderful jewellery exhibition A Fine Possession currently showing at the Powerhouse museum in Sydney until 22 May 2016.
My personal interpretation is that we are “framed” into a certain thinking and behaviour through our familial, social and cultural experiences. Also, our perception of others is “framed” by those same experiences. All my life has been very marked by experiences of absence and death – hence the black colour. Play also had a important role throughout my life, and this symbolised by the red Lego piece. Creating artwork, like this piece, is a form of play.
Mon interprétation personnelle est que nous sommes “cadrés” à penser et à nous comporter d’une certaine manière en fonction de nos expériences familiales, sociales et culturelles. Egalement, notre perception des autres est aussi « cadrée » par ces mêmes expériences. Toute ma vie a été très marquée par des expériences d’absence et de mort – d’où la couleur noire. Le jeu a aussi joué un rôle important tout au long de ma vie, et cela est symbolisé par la pièce de Lego rouge. Créer une œuvre d’art, comme celle-ci, est une forme de jeu.
One of the reasons that motivated me in this project was to finally get to use the collection of materials, found objects, experiments that I have accumulated over the years in boxes thinking: “one day I might do something with this”…. Now I am finally getting into the “doing” part of creativity!
So, in a box was a flat strip of Mokume-gane I had made as part of my studies. Mokume-gane is a Japanese metalworking procedure, which produces a mixed-metal laminate (here sterling silver and copper) with distinctive layered patterns.
One last note about day 9: I have uploaded today a good quality photo.
Une des raisons qui m’a motivé pour ce projet était de pouvoir enfin utiliser la collection de matériaux, objets, expérimentations que j’ai accumulé dans boites depuis des années en pensant : « un jour je ferai quelque chose avec cela »… Donc, dans une boite était une bande plate de Mogume-gane que j’avais fait pendant mes études. Momuke-gane est une technique japonaise de métallurgie qui produit un laminé de plusieurs métaux (ici argent sterling et cuivre) avec des motifs distinctifs en couche.
Sinon au sujet du jour 9, j’ai téléchargé aujourd’hui une photo de bonne qualité. Et au sujet du jour 10, j’ai mis une traduction en français que j’avais oubliée hier 🙂
“Oh, you look good in those pegs!”… That could become my everyday wear and I might start a new trend in fashion 🙂
There is also a conceptual side to this piece, as the title hints. I take the viewpoint that Australia has been “domesticated” through the process of colonisation, with the pegs and fence washers symbolic of the settlers typical house. This is a colonial perspective to say that Australia was wilderness before colonisation and that Aboriginal people were savage. This is far from being true as indigenous people had a very elaborate and caring relationship with the land for more than 40,000 years; for them it was already domesticated.
“Oh, cela te va bien ces pinces à linge!”… je pourrais porter cela tous les jours et commencer une nouvelle tendance de mode J
Il y a aussi un aspect conceptuel à ce collier, comme son titre l’indique : « domestication ». Je prends ici le point de vue que l’Australie a été « domestiqué » ou apprivoisé par le processus de colonisation, avec les pinces à linge et les rondelles de métal des clôtures comme symboles de la maison typique des migrants. Cette une perspective coloniale de dire que l’Australie était sauvage avant la colonisation et que les populations aborigènes étaient des sauvages. C’est bien loin de la vérité car les populations indigènes ont eu une relation très élaborée avec leur environnement depuis plus de 40,000 ans ; pour eux ce continent était déjà domestiqué.
I haven’t found a name for this one yet. It’s a piece of ceramics I found on a beach that has been polished by the ocean. In reality it is not so yellow. I finished late and a better photo will come later.
(…) Three days later, I upload another photo and gave the piece a title: ‘beached’
Je n’ai pas encore trouvé de nom pour ce collier-là. C’est un morceau de céramique que j’ai trouvé sur la plage et qui a été poli par l’océan. En réalité ce n’est pas si jaune. J’ai fini tard et une meilleure photo viendra un autre jour.
.
Starting the second week, I am finding a pace, after a very full on first week. Now it’s Friday 4pm, very decent time to stop, have a cuppa and a relaxing evening 🙂
Je commence la deuxième semaine, je trouve un rythme, après une première semaine intense. Maintenant on est vendredi, il est 16h, une très bonne heure pour s’arrêter pour une tasse de thé et une soirée de détente 🙂
A French proverb says: “the appetite comes with eating”. I could say today: “creativity comes with making”. I wanted to do something fun and easy after yesterday big day. I found my rock climbing equipment in my garden shed and played with it all morning. I haven’t climbed for the last 10 years, it’s something I did a lot for years (with hiking and skiing), growing up in a family of mountain climbers. It took a while for my hands to remember the knots. I didn’t do any climbing today yet I had a great time experimenting this and that sitting in my garden on a beautiful sunny day.
Le proverbe dit “l’appétit vient en mangeant”. Je pourrais dire aujourd’hui : « la créativité vient en faisant ». Je voulais faire quelque chose d’amusant et facile après la grosse journée d’hier. J’ai trouvé mon équipement d’escalade dans mon abri de jardin et j’ai joué avec toute la matinée. Je n’ai pas escaladé depuis 10 ans, c’est quelque chose que j’ai beaucoup fait pendant des années (avec la randonnée et le ski) car j’ai grandi dans une famille d’alpinistes. Cela a pris un moment pour que mes mains se souviennent des nœuds. Je n’ai pas fait d’escalade aujourd’hui mais j’ai passé un très bon moment à expérimenter ceci et cela, assise dans mon jardin par une belle journée ensoleillée.
It’s 9.30pm, I haven’t had dinner yet, just finished 12 hours of work for this piece. I am happy with it. That photo was taken quickly under my bench light so not very good… will do a better one tomorrow.
… Back here a day later to upload a better photo taken with daylight
Il est 21h30, je n’ai pas encore diné, je viens juste de finir 12 heures de travail pour ce collier. Je suis contente du résultat. Cette photo a été prise rapidement sous la lumière de mon établi et n’est pas très bonne… j’en ferai une meilleure demain.
The lesson for this one is: never think that a simple idea is going to be quick and easy to make…
It’s a lot of fun to change style and materials completely from one day to the next…
C’est très amusant de changer complètement de style et de matériaux d’un jour à l’autre…
It’s very satisfying to see on one side ideas I have been carrying in my head for a while, and on the other side materials that have been sitting on shelves finally meeting and transforming themselves into reality…
C’est très satisfaisant de voir finalement se rencontrer et se transformer en réalité d’un côté des idées que j’avais dans la tête depuis un moment, et de l’autre côté des matériaux entassés sur les étagères…
An alternate title for this one is “wafers”…
Un autre titre possible pour celui-ci est “gaufrettes” …
Edited 13/1/2016: on 4 November 2015, in 40th day of the project, I decided to stop it on that day due to my mother’s sudden ill health that required me to travel to France unexpectedly.
On 25 Sept 2015: The idea has been stewing in my head for a while, since last March to be precise. I had then a really good bout of creative energy, experimenting with different materials and techniques, making a necklace every day. I would get up in the morning and all I wanted to do is go to my studio and make. I was having great fun and I thought that I would like to continue doing that for a period of time, a necklace a day. And life went on with other priorities getting in the way…
Then last week I was in Brisbane and I went to Artisan gallery to see the exhibition ‘Attitude As Form’ where I have a necklace presented. On my way out of the gallery I noticed the display in the shop window and the writing – #100daysofmugs – I thought “that’s the idea”…
So here’s my project: making one new necklace every day for 100 days.
What started me today on this is some very sad news from a woman I recently met about her oldest son. I really feel for her and her family, and in wanting to express my empathy and sadness, the idea of this first necklace came. I called it ‘mourning’. I feel that life is such a fragile state, one day here, the next day gone.
So no more procrastination: today is the first day of my 100 days of necklaces.
Note du 13/01/2016: le 4 novembre 2015, j’ai arrêté le projet le 40ème jour à cause de la nouvelle d’un problème de santé soudain de ma mère qui m’a demandé un voyage en France de façon imprévue
le 25 septembre 2015: L’idée mijotait dans ma tête depuis un moment, depuis mars dernier pour être précise. J’ai eu alors une période de grande énergie créative, expérimentant avec différents matériaux et techniques, en faisant un collier chaque jour. Je me levais le matin et tout ce que je voulais faire c’est d’aller dans mon atelier et de fabriquer. Je m’amusais beaucoup et j’ai pensé que ce serait bien de continuer à faire cela pendant un temps : un collier par jour. Et puis la vie et ses priorités a repris le dessus…
La semaine dernière j’étais à Brisbane et je suis allée à la galerie Artisan pour voir l’exposition ‘Attitude As Form’ où j’ai un collier qui y est présenté. En sortant de la galerie, j’ai remarqué la présentation dans la vitrine et ce qui était écrit – #100daysofmugs (100 jours de mugs, ou de tasses), j’ai pensé « c’est ça l’idée »…
Alors voilà mon projet : faire un nouveau collier chaque jour pendant 100 jours.
Ce qui m’a fait démarrer là-dessus aujourd’hui ce sont les nouvelles très tristes que j’aie reçu ce matin d’une femme que j’ai connue récemment à propos de son fils ainé. Je pensais à elle et à sa famille et je voulais exprimer mon empathie et ma tristesse, c’est de là que l’idée de ce premier collier est venue. Je l’ai appelé ‘deuil’. Je sens que la vie est un état si fragile, un jour là, le lendemain partie.
Alors je ne remets plus au lendemain : aujourd’hui est le premier jour de mes 100 jours de colliers.
“Art has a privileged status in the production of symbols of national identity.” 1999, ABC & NGV (1)
From plastic to timber, there doesn’t seem to be anything in common between these two materials, yet when I use them in making my jewellery pieces, I see an underlying thread that connects them: they both express my Australian identity. These two very different, opposed materials embody the two different, opposed aspects of the Australian landscape, two signifiers of national identity (2): the urban one and the other one – the bush – a term culturally understood in Australia to be any environment that is sparsely populated or uninhabited (3).
The urban landscape could be seen as the most important element to define my Australian identity if we consider that like most Australians I live in the great suburban sprawl that surrounds the cities(4). Yet the bush has a predominant place in my psyche as an Australian. The bush has been the foundation of a distinctive Australian culture, especially as expressed in Australian literature, painting and popular music. The bush is considered to form the national character and ethos of Australians (4).
I was born and grew up in Paris and in the Alps. I made my first trip to Australia in 1994 and immediately fell under the fascinating power of the bush. As Australian painter Russell Drysdale so well says it:
“It is an environment which I love and which I like to go back to, and for me it has a tremendous appeal, it is continually exciting, these curious and strange rhythms which one discovers in a vast landscape, the juxtaposition of figures, of objects, all these things are exciting. Add to that again the peculiarity of the particular land in which we live here, and you get a quality of strangeness that you do not find, I think, anywhere else. This is very ancient land, and its forms and its general psychology are so intriguing as compared to the other countries of the world that it in itself is surprising.” (5)
Living in Western Australia I take part in the contemporary and materialistic life in the suburbs that I describe in my Suburban Tribal series. But my sense of belonging to Australia is not limited to my experience of living in a city. I feel also strongly connected to and care for the land and its fragile ecosystem. I have a deep respect for the Aboriginal people and their culture. That is the other side of my Australian identity, the one I express with wood and other natural materials. I feel inspired by the way the Aboriginal people “traditionally have had a spiritual and nurturing relationship with the bush, seeing themselves as belonging to the landscape, intrinsically woven into its every fibre (Head 2000; Pascoe 2007; Read 2000).” (3)
I see my jewellery as being my commentary on my experience as a migrant in Australia, as in my last creations, “The Native” and “The Migrant” necklaces. Today I find myself very much in the position described by D.J. Finley:
“The Australian artist must always look in two directions, physically as well as aesthetically. First, he casts a backward glance over his shoulder at what Europe is doing, then he glances quickly around at his own landscape to see what it is that makes it different from the landscape of other countries. He looks away again to see whether there is anything he can learn from the works of the old masters or the young imponderables. Again a longer look at the world around him; he must paint what he sees, feels, thinks, or dreams, and he must live. And then again he looks abroad to see whether there is a market for his work in the wider and more populous world of Europe and America.”(6)
Du plastique au bois, un lien commun
“L’art a le statut privilégié de produire des symboles d’identité nationale” 1999, ABC & NGV (1)
Du plastique au bois, il semble qu’il n’y ait rien de commun entre ces deux matériaux, et pourtant quand je les utilise pour fabriquer mes bijoux, je vois un lien qui les relie : ils expriment tous les deux mon identité australienne. Ces deux matériaux très différents, opposés, personnalisent deux aspects différents et opposés du paysage australien, deux signifiants de l’identité nationale (2) : l’urbain et l’autre – le « bush » – un terme culturellement compris en Australie comme étant un environnement qui est peu peuplé ou inhabité (3).
Le paysage urbain pourrait apparaitre comme l’élément le plus important qui définit mon identité australienne si l’on considère que, comme la plupart des australiens, je vis dans la grande étendue de banlieue qui entoure les villes (4). Pourtant le « bush » » a un place prédominante dans mon psyché en tant qu’australienne. Le « bush » a été la base d’une culture australienne distincte et particulière telle qu’elle est exprimée dans la littérature, la peinture et la musique populaire australienne. Le « bush » est considéré comme formant le caractère national et l’ethos australien (4).
Je suis née et j’ai grandi à Paris et dans les Alpes. J’ai fait mon premier voyage en Australie en 1994 et je suis immédiatement tombée sous le pouvoir fascinant du bush. Comme le dit si bien le peintre australien Russell Drysdale :
« C’est un environnement que j’aime et ou j’aime retourner, qui a pour moi un attrait énorme, qui est continuellement passionnant, ces rythmes curieux et étranges que l’on découvre dans le vaste paysage, la juxtaposition des formes, des objets, toutes ces choses sont très passionnantes. Ajoutez à cela en plus la particularité de ce pays même où nous vivons, et vous avez une qualité d’étrangeté que vous ne trouvez pas, je crois, nulle part ailleurs. C’est une terre très ancienne, et sa forme et sa psychologie sont si intrigantes comparées à celles d’autres pays dans le monde que cela n’est pas en soit surprenant. » (5)
Habitant en Australie Occidentale je prends part à la vie contemporaine et matérialiste dans les banlieues telle que je la décris dans ma série Suburban Tribal. Mais mon sens d’appartenance à l’Australie n’est pas limité à mon expérience de vivre dans une ville. Je me sens également très connectée à la terre et son écosystème fragile. J’ai un profond respect pour les peuples aborigènes et leur culture. C’est l’autre aspect de mon identité australienne, celle que j’exprime avec du bois et d’autres matières naturelles. Je me sens inspirée par la façon dont les peuples aborigènes ont traditionnellement une relation spirituelle et nourrissante avec le bush, se voyant comme appartenant au paysage, tissés intrinsèquement dans sa fibre même (Head, 2000 ; Pascoe 2007 ; Read 2000). » (3)
Je vois mes bijoux comme un commentaire sur mon expérience de migrant en Australie, comme dans mes créations récentes avec les colliers « Le Natif» et « Le Migrant ». Aujourd’hui je me trouve tout à fait dans la position décrite par D.J. Finley :
« L’artiste australien doit toujours regarder dans deux directions, physiquement ainsi qu’esthétiquement. En premier il jette un regard en arrière au-dessus de son épaule pour voir ce que l’Europe fait, puis il regarde rapidement autour de lui son propre paysage pour voir ce qui le différencie des paysages des autres pays. Il regarde de nouveau ailleurs pour voir si il y a quelque chose qu’il peut apprendre du travail des anciens maitres ou des jeunes difficiles à catégoriser. De nouveau un long regard sur le monde autour de lui ; il doit peindre ce qu’il voit, ressens, penses, ou rêve, et il doit vivre. Et de nouveau un regard à l’étranger pour voir si il y a un marché pour son travail dans le monde plus grand et plus peuplé de l’Europe et de l’Amérique » (6).
I am very happy to see my neckpiece of the Suburban Tribal series selected for The Contemporary Wearables Biennial Jewellery Award and Exhibition 2015 (see Gallery Jewellery for more images) . This show invites prominent and emerging jewellers from Australia and New Zealand to show their work in Toowoomba (QLD) and, as part of a possible touring exhibition, other Australian galleries. Award winners and acquisitions will be announced at the official opening and awards ceremony on Sunday 20 September 2015 at 2pm.
Artist Statement:
This neckpiece “Suburban Tribal” is made of discarded materials collected on building sites. It is a satirical view on what has become of the Dreaming in contemporary materialistic Australia, and the loss of its original indigenous significance.
A tribal society is a group of people occupying contiguous territories and having a feeling of unity deriving from similarities in a culture, frequent contacts and a certain community of interests. In such society, apart from body beautification and adornment, jewellery is also used for rituals and to honour deities.
I associate living in Western Australian suburbs with a form of tribal society life where we have placed the house, the car and other objects on an altar that we worship in pagan rituals. We define our place in society by the possession and value of those objects.
Traditionally in tribal society, jewellery is made with products that are easily available for the people; usually the raw materials are humble. Perth’s urban sprawl landscape is full of building sites and skips; the plastic tubing and conduit I re-used are not precious materials.
Je suis très heureuse de voir le collier de ma série Suburban Tribal (traduction : Tribal de Banlieue, voir plus d’images dans la galerie bijoux) sélectionné pour l’exposition biennale du bijou contemporain « Contemporary Wearables 2015 ». Ce show invite des bijoutiers proéminents et émergeants d’Australie et de Nouvelle Zélande à présenter leur travail à Toowoomba (état du Queensland). Cette exposition pourra voyager dans d’autres galeries en Australie. Les gagnants des prix et les acquisitions seront annoncés lors de l’inauguration le dimanche 20 septembre.
Message d’artiste :
Ce collier « Suburban Tribal » est fait à partir de déchets de matériaux de construction que j’ai récupérés. Il exprime une vue satirique de ce qu’est devenue le “Rêve” dans l’Australie matérialiste contemporaine et la perte de sa signification originelle dans la culture aborigène.
Une société tribale est un groupe de gens qui habitent des territoires voisins et qui ont un sentiment d’unité grâce à une culture commune, des centres d’intérêts partagés et de fréquents contacts. Dans une telle société les bijoux sont utilisés non seulement pour embellir et décorer le corps, mais aussi pour des rituels et pour honorer les dieux.
J’associe la vie dans les banlieues de l’Australie Occidentale avec la vie dans une forme de société tribale où nous avons élevé le rang de la maison, de la voiture, et d’autres objets au point de les mettre sur un autel pour des rituels de culte païen. Nous définissons notre place dans la société par la possession et la valeur de ces objets.
Dans une société tribale traditionnelle les bijoux sont fait de matériaux qui sont facilement disponibles, en général des matières premières humbles. Le paysage de l’étalement urbain de Perth est rempli de sites de construction et ses bennes à ordures ; le conduit et le tube en plastique que j’ai utilisés ne sont pas des matériaux précieux.
CARRIERE SOUS LES PROJECTEURS: BIJOUTIER CONTEMPORAIN
Recently traveling in France and meeting with different people–friends, family, strangers–I found that they usually struggle to understand what I’m doing… I recently came across an article that I thought explained well what the work of a contemporary jeweller or artist jeweller is. This article is by Madeleine Dore, 19 June 2015 and was published in ArtsHub at the occasion of the Radiant Pavillion week in Melbourne (1-6 Septembre)
En voyage récemment en France j’ai rencontré des gens – amis, famille, inconnus – qui en souvent ont du mal à appréhender ce que je fais. Je viens de lire un article qui je trouve explique bien le travail du bijoutier contemporain ou artiste bijoutier. Cet article écrit par Madeleine Dore, 19 June 2015 et publié dans ArtsHub à l’occasion de l’évènement “Radiant Pavillion” à Melbourne du 1er au 6 septembre.
You can read the article in English by following the ArtsHub link. Following is the French translation.
Voici la traduction francaise de l’article:
“La bijouterie contemporaine est une forme d’art variée et célébrée. Dans cet article nous définissons ce medium artistique et explorons comment poursuivre une carrière de bijoutier contemporain
Melbourne se vante souvent d’être le centre culturel de l’Australie, mais peu de gens incluent la bijouterie contemporaine dans l’héritage artistique de la ville. Pourtant Melbourne est considérée mondialement comme un centre de la bijouterie contemporaine avec Amsterdam et Munich.
La célébration de la bijouterie et accessoires contemporains est le but de l’ouverture du « Radiant Pavilion ». Du 1er au 6 septembre plus de 170 artistes venant de 17 pays présenterons un programme d’évènements qui inclue des œuvres de rue, des expositions, des représentations et des installations, des présentations d’artistes, des ateliers et des studios portes ouvertes. C’est une occasion pour les bijoutiers de présenter leur travail à une nouvelle audience et à leurs collègues, de créer de nouveaux liens.
Un point central d’intérêt est de promouvoir la connaissance de cette forme d’art. La directrice d’une galerie de bijoux contemporains E.Goodsir dit que quand elle a commencé sa galerie il y a 17 ans, le bijou en tant qu’art était un petit créneau. « C’est devenu beaucoup plus connu mais je dirais que ce n’est pas encore devenu grand public. »
Qu’est ce qui fait qu’un bijou est une œuvre d’art, ou qui fait qu’un bijoutier est un artiste ? E. Goodsir a un Bachelor d’art spécialisé en Orfèvrerie de l’université de RMIT, elle considère que la bijouterie contemporaine est l’enfant naturel de l’art et de la mode.
Elle dit: « on aborde la bijouterie contemporaine comme si c’était une petite sculpture, mais les gens essayent constamment de l’associer à la mode ou au bijou fantaisie mais cela ne colle pas. Elle se tient entre les deux. »
De la même manière, la bijoutière Laura Eyles voit la bijouterie contemporaine comme le mariage de l’art, de la sculpture et de l’objet personnel et portable. Elle se présente elle-même comme un artiste et une orfèvre. « Mais quand je parle à des gens qui ne connaissent pas ce secteur je me présente comme une bijoutière qui travaille comme une artiste afin qu’ils ne s’attendent pas à voire une bague en diamants. »
Voici ce que dit Eyles pour nous aider à mieux apprécier l’art du bijou contemporain: “Je suggère que vous oubliez le solitaire en diamants, oubliez ce que vous avez vu dans le magasin de bijoux habituel. Voyez le bijou contemporain de la même manière que vous regarderiez une œuvre d’art dans une exposition, sauf qu’il y a là quelque chose de très spécial : vous pouvez prendre l’objet dans vos mains, vous pouvez le porter et c’est comme une installation en mouvement permanente. »
Ce qui apparente la bijouterie contemporaine à la sculpture et la transforme en forme d’art est la nature conceptuelle du travail. C.Powel, la co-fondatrice de « Radiant Pavilion » a dit à ArtsHub qu’il ne s’agit pas seulement de la fabrication d’un élément décoratif, ou de la valeur de l’œuvre, mais comme pour tout artiste, il s’agit de la relation du bijoutier avec le monde et comment il ou elle exprime son expérience par l’intermédiaire de ce medium.
“Certaines personnes approchent leur travail de bijouterie à partir des matériaux, d’autres commencent leur travail à partir d’une idée” dit Powel. « Je pense qu’il s’agit d’explorer des idées conceptuelles et d’explorer des matériaux, d’approcher la fabrication de ce point de vue au lieu de celui des modes et tendances saisonnières ».
Pour Goodsir, la bijouterie est un moyen d’expression artistique et une façon de raconter une histoire. « Une partie de la façon de vendre est d’expliquer ces histoires aux gens afin de leur permettre d’éveiller leur intérêt pour qu’ils s’impliquent. Qu’il s’agisse d’un artiste qui collectionne des os en provenance d’abattoirs afin de les transformer en bijoux, ou des bijoux faits de cartes pliées, il existe un point réel de connexion pour les gens. »
Comment devient-on un artiste bijoutier?
Bien que leur travail soit fondamentalement diffèrent de celui de la bijouterie traditionnelle, il est parfois nécessaire aux artistes bijoutiers de naviguer entre les deux domaines afin de pouvoir poursuivre leur carrière.
« Mon travail de bijouterie a toujours été focalisé sur la création d’objets artistiques miniatures, au lieu de me plier à ce que la mode dicte. Mais je veux continuer à fabriquer des bijoux pour le reste de ma vie, alors c’est une recherche d’équilibre constant dans ma tête – essayer de penser avec des concepts qui ne sont pas offensifs dans le domaine du bijou de mode, mais qui impliquent un peu plus de réflexion. »
Des gens de tous les horizons viennent à la bijouterie contemporaine, depuis le design industriel, la décoration d’intérieure, l’architecture, les sciences, ou d’autres secteurs dit Goodsir. « Je pense que pour beaucoup de gens faire des bijoux est un rêve et qu’ils jouent avec cette idée, ou bien ils font des bijoux secrètement à la maison, et puis il y a ceux peu nombreux qui décident d’en faire une carrière. »
Bien qu’il y ait des artistes bijoutiers qui se soient formés eux-mêmes, Goodsir dit qu’il est important d’acquérir des connaissances techniques. « A moins que vous enfiliez des perles ou que vous fassiez quelque chose de simple, vous avez besoin de beaucoup de compétences pour faire un bague ou fabriquer un fermoir ».
“Je pense que pour être un véritable bijoutier contemporain, vous avez besoin d’acquérir ces compétences. Si vous achetez le fermoir, alors vous faites du bijou fantaisie tout simplement. » Pour peaufiner vos compétences il est recommandé de suivre des formations longues ou courtes disponible dans des établissements spécialisés, publics ou privés tel.
Les bijoutiers émergeant commencent souvent par mettre sur pied eux-mêmes une exposition et par partager leur travail en mettant leurs images sur Internet. Beaucoup ont l’intention de pouvoir exposer dans une galerie. « Cela demande de la passion et de l’énergie, il faut qu’ils continuent de faire leur travail, et qu’ils continuent de créer des liens avec des gens » conclu Powel.
After 10 days showing in Sydney the exhibition Attitude As Form (where I have a necklace) is now being presented in Brisbane at Artisan until 7 November. I am really pleased with this great exposure, and also very good media coverage through the International Jewellery Online magazine Klimt02
Après avoir été présentée pendant 10 jours à Sydney, l’exposition “Attitude As Form” (où j’ai un collier) est maintenant à Brisbane à la galerie “Artisan” jusqu’au 7 novembre. Je suis très heureuse de la visibilité de l’exposition, ainsi que de la couverture médiatique dans le magazine Internet international de bijouterie Klimt02
Three pieces of jewellery of my serie Suburban Tribal will be presented from 7 to 17 July at the In Transit exhibition in Sydney in conjunction with the JMGA biennale conference EdgesBordersGaps
Opening Saturday 11 July, 4 to 6pm. Depot II gallery, 2 Danks Street, Waterloo, NSW
Trois bijoux de ma série Tribu de Banlieue seront présentés du 7 au 17 juillet à l’exposition En Transit à Sydney conjointement avec la conférence biannuelle du Groupe des Bijoutiers et Orfèvres d’Australie
With the Suburban Tribal serie, I associate life in Australian suburbs with one in a tribal society. In this context, jewellery is worn for rituals and to honour deities as well as for beautification and adornment. In our suburban society, we have placed the house and the car on an altar and we worship them in pagan rituals. In traditional tribal society, jewellery is usually made with humble materials that are easily available. This is the case of the discarded plastic pipes and conduits from building sites that I repurposed, they are not precious materials. This serie is part of a body of work I named A Renovator’s Dream – a pun on the loss of the meaning of the ancient indigenous Dreaming in contemporary Australia.
Avec la série ‘Tribu de Banlieue’, j’associe la vie dans les banlieues australiennes à celle d’une société tribale. Dans ce contexte, les bijoux sont portés pour des rituels et pour honorer des dieux, ainsi que pour la décoration et la beauté. Dans nos sociétés banlieusardes nous avons placé la maison et la voiture sur un autel et nous les vénérons dans des rites païens. Dans les sociétés tribales traditionnelles, les bijoux sont en général faits de matériaux humbles qui sont facilement disponible. C’est le cas ici pour les tuyaux et conduits que j’ai recyclés, ce ne sont pas des matériaux précieux. Cette série fait partie d’un ensemble de travail que j’ai appelé ‘Un Rêve de Rénovateur’ – un jeu de mot sur la perte, dans la société australienne contemporaine, du sens originel du Rêve aborigène.
There is an online catalogue of the exhibition that can be viewed here with two articles:
Attitude and Form, by Miriam Carter
Jewellery and Attitude, by Beau Allen
blandine hallé