40 days 40 necklaces – day 7, “learning the ropes”

Day 7. Learning the ropes. Upcycled ropes, straps and metal. © Blandine Halle 2015
Day 7. Learning the ropes. Upcycled ropes, straps and metal. © Blandine Halle 2015

A French proverb says: “the appetite comes with eating”. I could say today: “creativity comes with making”. I wanted to do something fun and easy after yesterday big day. I found my rock climbing equipment in my garden shed and played with it all morning. I haven’t climbed for the last 10 years, it’s something I did a lot for years (with hiking and skiing), growing up in a family of mountain climbers. It took a while for my hands to remember the knots. I didn’t do any climbing today yet I had a great time experimenting this and that sitting  in my garden on a beautiful sunny day.

Le proverbe dit “l’appétit vient en mangeant”. Je pourrais dire aujourd’hui : « la créativité vient en faisant ». Je voulais faire quelque chose d’amusant et facile après la grosse journée d’hier. J’ai trouvé mon équipement d’escalade dans mon abri de jardin et j’ai joué avec toute la matinée. Je n’ai pas escaladé depuis 10 ans, c’est quelque chose que j’ai beaucoup fait pendant des années (avec la randonnée et le ski) car j’ai grandi dans une famille d’alpinistes. Cela a pris un moment pour que mes mains se souviennent des nœuds. Je n’ai pas fait d’escalade aujourd’hui mais j’ai passé un très bon moment à expérimenter ceci et cela, assise dans mon jardin par une belle journée ensoleillée.

40 days 40 necklaces – day 6, “going around in circles”

Day 6, Going around in circles. Wood, sterling silver. © Blandine Halle 2015
Day 6, Going around in circles. Wood, sterling silver. © Blandine Halle 2015

It’s 9.30pm, I haven’t had dinner yet, just finished 12 hours of work for this piece.  I am happy with it. That photo was taken quickly under my bench light so not very good… will do a better one tomorrow.

… Back here a day later to upload a better photo taken with daylight

Il est 21h30, je n’ai pas encore diné, je viens juste de finir 12 heures de travail pour ce collier. Je suis contente du résultat. Cette photo a été prise rapidement sous la lumière de mon établi et n’est pas très bonne… j’en ferai une meilleure demain.

40 days 40 necklaces – day 5, “measuring up”

Day 5, Measuring up. Upcycled brass rulers & carpenter pencil. © Blandine Hallé 2015
Day 5, Measuring up. Upcycled brass rulers & carpenter pencil. © Blandine Hallé 2015

The lesson for this one is:  never think that a simple idea is going to be quick and easy to make…

40 days 40 necklaces – day 4, “going organic 1”

Day 4, Going organic 1. Gum nuts, copper, linen thread. © Blandine Hallé 2015
Day 4, Going organic 1. Gum nuts, copper, linen thread. © Blandine Hallé 2015

It’s a lot of fun to change style and materials completely from one day to the next…

C’est très amusant de changer complètement de style et de matériaux d’un jour à l’autre…

 

40 days 40 necklaces – day 2, “in layers”

Day 2 – In Layers. Upcycled wood, thread.

 

 

 

 

 

 

 

 

An alternate title for this one is “wafers”…

Un autre titre possible pour celui-ci est “gaufrettes” …

Day 2, In Layer - detail. © Blandine Hallé 2015
Day 2, ln layer – detail.

40 days 40 necklaces – day 1, “mourning”

Day 1, mourning. Brass, paint, mesh fabric, thread. © Blandine Hallé 2015
Day 1, mourning. brass, paint, mesh fabric. © Blandine Hallé 2015

Edited 13/1/2016: on 4 November 2015, in 40th day of the project, I decided to stop it on that day due to my mother’s sudden ill health that required me to travel to France unexpectedly.

On 25 Sept 2015: The idea has been stewing in my head for a while, since last March to be precise. I had then a really good bout of creative energy, experimenting with different materials and techniques, making a necklace every day. I would get up in the morning and all I wanted to do is go to my studio and make. I was having great fun and I thought that I would like to continue doing that for a period of time, a necklace a day.  And life went on with other priorities getting in the way…

Then last week I was in Brisbane and I went to Artisan gallery to see the exhibition ‘Attitude As Form’ where I have a necklace presented. On my way out of the gallery I noticed the display in the shop window and the writing – #100daysofmugs – I thought “that’s the idea”…

So here’s my project: making one new necklace every day for 100 days.

What started me today on this is some very sad news from a woman I recently met about her oldest son. I really feel for her and her family, and in wanting to express my empathy and sadness, the idea of this first necklace came. I called it ‘mourning’. I feel that life is such a fragile state, one day here, the next day gone.

So no more procrastination: today is the first day of my 100 days of necklaces.

Note du 13/01/2016: le 4 novembre 2015, j’ai arrêté le projet le 40ème jour à cause de la nouvelle d’un problème de santé soudain de ma mère qui m’a demandé un voyage en France de façon imprévue

le 25 septembre 2015: L’idée mijotait dans ma tête depuis un moment, depuis mars dernier pour être précise. J’ai eu alors une période de grande énergie créative, expérimentant avec différents matériaux et techniques, en faisant un collier chaque jour. Je me levais le matin et tout ce que je voulais faire c’est d’aller dans mon atelier et de fabriquer. Je m’amusais beaucoup et j’ai pensé que ce serait bien de continuer à faire cela pendant un temps : un collier par jour. Et puis la vie et ses priorités a repris le dessus…

La semaine dernière j’étais à Brisbane et je suis allée à la galerie Artisan pour voir l’exposition ‘Attitude As Form’ où j’ai un collier qui y est présenté. En sortant de la galerie, j’ai remarqué la présentation dans la vitrine et ce qui était écrit – #100daysofmugs (100 jours de mugs, ou de tasses), j’ai pensé « c’est ça l’idée »…

Alors voilà mon projet : faire un nouveau collier chaque jour pendant 100 jours.

Ce qui m’a fait démarrer là-dessus aujourd’hui ce sont les nouvelles très tristes que j’aie reçu ce matin d’une femme que j’ai connue récemment à propos de son fils ainé. Je pensais à elle et à sa famille et je voulais exprimer mon empathie et ma tristesse, c’est de là que l’idée de ce premier collier est venue. Je l’ai appelé ‘deuil’. Je sens que la vie est un état si fragile, un jour là, le lendemain partie.

Alors je ne remets plus au lendemain : aujourd’hui est le premier jour de mes 100 jours de colliers.

From plastic to timber, a common thread

Suburban Tribal, neckpiece. Upcycled plastic pipe & conduit, paint, thread. © Blandine Hallé 2015
Suburban Tribal, neckpiece. Upcycled plastic pipe & conduit, paint, thread. © Blandine Hallé 2015

“Art has a privileged status in the production of symbols of national identity.” 1999, ABC & NGV (1)

From plastic to timber, there doesn’t seem to be anything in common between these two materials, yet when I use them in making my jewellery pieces, I see an underlying thread that connects them: they both express my Australian identity. These two very different, opposed materials embody the two different, opposed aspects of the Australian landscape, two signifiers of national identity (2): the urban one and the other one – the bush – a term culturally understood in Australia to be any environment that is sparsely populated or uninhabited (3).

The urban landscape could be seen as the most important element to define my Australian identity if we consider that like most Australians I live in the great suburban sprawl that surrounds the cities(4). Yet the bush has a predominant place in my psyche as an Australian. The bush has been the foundation of a distinctive Australian culture, especially as expressed in Australian literature, painting and popular music. The bush is considered to form the national character and ethos of Australians (4).

I was born and grew up in Paris and in the Alps. I made my first trip to Australia in 1994 and immediately fell under the fascinating power of the bush. As Australian painter Russell Drysdale so well says it:

“It is an environment which I love and which I like to go back to, and for me it has a tremendous appeal, it is continually exciting, these curious and strange rhythms which one discovers in a vast landscape, the juxtaposition of figures, of objects, all these things are exciting. Add to that again the peculiarity of the particular land in which we live here, and you get a quality of strangeness that you do not find, I think, anywhere else. This is very ancient land, and its forms and its general psychology are so intriguing as compared to the other countries of the world that it in itself is surprising.” (5)

The Native, detail of necklace, sterling silver, linen thread. © Blandine Hallé 2015
The Native, detail of necklace. Marri timber, sterling silver, linen thread. © Blandine Hallé 2015

Living in Western Australia I take part in the contemporary and materialistic life in the suburbs that I describe in my Suburban Tribal series. But my sense of belonging to Australia is not limited to my experience of living in a city. I feel also strongly connected to and care for the land and its fragile ecosystem. I have a deep respect for the Aboriginal people and their culture. That is the other side of my Australian identity, the one I express with wood and other natural materials. I feel inspired by the way the Aboriginal people “traditionally have had a spiritual and nurturing relationship with the bush, seeing themselves as belonging to the landscape, intrinsically woven into its every fibre (Head 2000; Pascoe 2007; Read 2000).” (3)

The Migrant, detail of necklace. Upcycled Baltic pine, copper, linen thread. © Blandine Hallé 2015
The Migrant, detail of necklace. Upcycled Baltic pine, copper, linen thread. © Blandine Hallé 2015

I see my jewellery as being my commentary on my experience as a migrant in Australia, as in my last creations, “The Native” and “The Migrant” necklaces. Today I find myself very much in the position described by D.J. Finley:

“The Australian artist must always look in two directions, physically as well as aesthetically. First, he casts a backward glance over his shoulder at what Europe is doing, then he glances quickly around at his own landscape to see what it is that makes it different from the landscape of other countries. He looks away again to see whether there is anything he can learn from the works of the old masters or the young imponderables. Again a longer look at the world around him; he must paint what he sees, feels, thinks, or dreams, and he must live. And then again he looks abroad to see whether there is a market for his work in the wider and more populous world of Europe and America.”(6)

  1. ABC and NVG collaboration, 1999, “Russell Drysdale, Introduction”. Accessed online 12/09/2015 http://www.abc.net.au/arts/drysdale/themes/intro.htm
  2. Federation University Australia, ‘Pilar Mata Dupont, Guirguis New Art Prize 2015’, accessed online 12/09/2015: http://federation.edu.au/faculties-and-schools/faculty-of-education-and-arts/post-office-gallery/guirguis-new-art-prize-gnap/2015/pilar-mata-dupont-wa
  3. Penn, ‘The Influence of the Bush on European-Australian Identity in Australian children’s literature’, The Looking Glass: new perspectives on children’s literature, Volume 11, Issue 3, 2007. Accessed online 12/09/2015: http://www.lib.latrobe.edu.au/ojs/index.php/tlg/article/view/9/9
  4. Baker, ’Contemporary Australia. 5. Sydney or the bush?’. National Centre for Australian Studies, Monash University, 2005. Accessed online 12/09/2015: http://www.abc.net.au/ra/australia/pdf/sydney_bush.pdf
  5. Drysdale interview with Hazel de Berg, February 1960, quoted in The Reserve Bank of Australia Collection, 1992, p.34. Accessible online 12/09/2015 http://www.abc.net.au/arts/drysdale/beyond/literate.htm#cw
  6. J. Finley, ‘Art in Australia: Looking both ways’, Journal of the Royal Society of Arts, London, 21 June 1957, pp. 612-13. Accessed online 12/09/2015 http://www.abc.net.au/arts/drysdale/themes/intro.htm

Du plastique au bois, un lien commun

“L’art a le statut privilégié de produire des symboles d’identité nationale” 1999, ABC & NGV (1)

Du plastique au bois, il semble qu’il n’y ait rien de commun entre ces deux matériaux, et pourtant quand je les utilise pour fabriquer mes bijoux, je vois un lien qui les relie : ils expriment tous les deux mon identité australienne. Ces deux matériaux très différents, opposés, personnalisent deux aspects différents et opposés du paysage australien, deux  signifiants de l’identité nationale  (2) : l’urbain et l’autre – le « bush » – un terme culturellement compris en Australie comme étant un environnement qui est peu peuplé ou inhabité (3).

Le paysage urbain pourrait apparaitre comme l’élément le plus important qui définit mon identité australienne si l’on considère que, comme la plupart des australiens, je vis dans la grande étendue de banlieue qui entoure les villes (4). Pourtant le « bush » » a un place prédominante dans mon psyché en tant qu’australienne. Le « bush » a été la base d’une culture australienne distincte et particulière telle qu’elle est exprimée dans la littérature, la peinture et la musique populaire australienne. Le « bush » est considéré comme formant le caractère national et l’ethos australien (4).

Je suis née et j’ai grandi à Paris et dans les Alpes. J’ai fait mon premier voyage en Australie en 1994 et je suis immédiatement tombée sous le pouvoir fascinant du bush. Comme le dit si bien le peintre australien Russell Drysdale :

« C’est un environnement que j’aime et ou j’aime retourner, qui a pour moi un attrait énorme, qui est continuellement passionnant, ces rythmes curieux et étranges que l’on découvre dans le vaste paysage, la juxtaposition des formes, des objets, toutes ces choses sont très passionnantes. Ajoutez à cela en plus la particularité de ce pays même où nous vivons, et vous avez une qualité d’étrangeté que vous ne trouvez pas, je crois, nulle part ailleurs. C’est une terre très ancienne, et sa forme et sa psychologie sont si intrigantes comparées à celles d’autres pays dans le monde que cela n’est pas en soit surprenant. » (5)

Habitant en Australie Occidentale je prends part à la vie contemporaine et matérialiste dans les banlieues telle que je la décris dans ma série Suburban Tribal. Mais mon sens d’appartenance à l’Australie n’est pas limité à mon expérience de vivre dans une ville. Je me sens également très connectée à la terre et son écosystème fragile. J’ai un profond respect pour les peuples aborigènes et leur culture. C’est l’autre aspect de mon identité australienne, celle que j’exprime avec du bois et d’autres matières naturelles. Je me sens inspirée par la façon dont les peuples aborigènes ont traditionnellement une relation spirituelle et nourrissante avec le bush, se voyant comme appartenant au paysage, tissés intrinsèquement dans sa fibre même (Head, 2000 ; Pascoe 2007 ; Read 2000). » (3)

Je vois mes bijoux comme un commentaire sur mon expérience de migrant en Australie, comme dans mes créations récentes avec les colliers « Le Natif» et « Le Migrant ». Aujourd’hui je me trouve tout à fait dans la position décrite par D.J. Finley :

« L’artiste australien doit toujours regarder dans deux directions, physiquement ainsi qu’esthétiquement. En premier il jette un regard en arrière au-dessus de son épaule pour voir ce que l’Europe fait, puis il regarde rapidement autour de lui son propre paysage pour voir ce qui le différencie des paysages des autres pays. Il regarde de nouveau ailleurs pour voir si il y a quelque chose qu’il peut apprendre du travail des anciens maitres ou des jeunes difficiles à catégoriser. De nouveau un long regard sur le monde autour de lui ; il doit peindre ce qu’il voit, ressens, penses, ou rêve, et il doit vivre. Et de nouveau un regard à l’étranger pour voir si il y a un marché pour son travail dans le monde plus grand et plus peuplé de l’Europe et de l’Amérique » (6).

Selected for Contemporary Wearables ’15

Suburban Tribal, neckpiece closeup. Repurposed plastic tube & conduit, paint, thread. © Blandine Hallé 2015
Suburban Tribal, neckpiece closeup. Upcycled plastic tube & conduit, paint, thread. © Blandine Hallé 20

I am very happy to see my neckpiece of the Suburban Tribal series selected for The Contemporary Wearables Biennial Jewellery Award and Exhibition 2015 (see Gallery Jewellery for more images) . This show invites prominent and emerging jewellers from Australia and New Zealand to show their work in Toowoomba (QLD) and, as part of a possible touring exhibition, other Australian galleries. Award winners and acquisitions will be announced at the official opening and awards ceremony on Sunday 20 September 2015 at 2pm.

Artist Statement:

This neckpiece “Suburban Tribal” is made of discarded materials collected on building sites. It is a satirical view on what has become of the Dreaming in contemporary materialistic Australia, and the loss of its original indigenous significance.

A tribal society is a group of people occupying contiguous territories and having a feeling of unity deriving from similarities in a culture, frequent contacts and a certain community of interests. In such society, apart from body beautification and adornment, jewellery is also used for rituals and to honour deities.

I associate living in Western Australian suburbs with a form of tribal society life where we have placed the house, the car and other objects on an altar that we worship in pagan rituals. We define our place in society by the possession and value of those objects.

Traditionally in tribal society, jewellery is made with products that are easily available for the people; usually the raw materials are humble. Perth’s urban sprawl landscape is full of building sites and skips; the plastic tubing and conduit I re-used are not precious materials.

Contemporary Wearables 15_invitation

Je suis très heureuse de voir le collier de ma série Suburban Tribal (traduction : Tribal de Banlieue, voir plus d’images dans la galerie bijoux) sélectionné pour l’exposition biennale du bijou contemporain « Contemporary Wearables 2015 ». Ce show invite des bijoutiers proéminents et émergeants d’Australie et de Nouvelle Zélande à présenter leur travail à Toowoomba (état du Queensland). Cette exposition pourra voyager dans d’autres galeries en Australie. Les gagnants des prix et les acquisitions seront annoncés lors de l’inauguration le dimanche 20 septembre.

Message d’artiste :

Ce collier « Suburban Tribal » est fait à partir de déchets  de matériaux de construction que j’ai récupérés. Il exprime une vue satirique de ce qu’est devenue le “Rêve” dans l’Australie matérialiste contemporaine et la perte de sa signification originelle dans la culture aborigène.

Une société tribale est un groupe de gens qui habitent des territoires voisins et qui ont un sentiment d’unité grâce à une culture commune, des centres d’intérêts partagés et de fréquents contacts. Dans une telle société les bijoux sont utilisés non seulement pour embellir et décorer le corps, mais aussi pour des rituels et pour honorer les dieux.

J’associe la vie dans les banlieues de l’Australie Occidentale avec la vie dans une forme de société tribale où nous avons élevé le rang de la maison, de la voiture, et d’autres objets au point de les mettre sur un autel pour des rituels de culte païen. Nous définissons notre place dans la société par la possession et la valeur de ces objets.

Dans une société tribale traditionnelle les bijoux sont fait de matériaux qui sont facilement disponibles, en général des matières premières humbles. Le paysage de l’étalement urbain de Perth est rempli de sites de construction et ses bennes à ordures ; le conduit et le tube en plastique que j’ai utilisés ne sont pas des matériaux précieux.

Career Spotlight: Contemporary Jeweller

CARRIERE SOUS LES PROJECTEURS:                                                                    BIJOUTIER CONTEMPORAIN

at the bench

Recently traveling in France and meeting with different people–friends, family, strangers–I found that they usually struggle to understand what I’m doing… I recently came across an article that I thought explained well what the work of a contemporary jeweller or artist jeweller is. This article is by Madeleine Dore, 19 June 2015 and was published in ArtsHub at the occasion of the Radiant Pavillion week in Melbourne (1-6 Septembre)

En voyage récemment en France j’ai rencontré des gens – amis, famille, inconnus – qui en souvent ont du mal à appréhender ce que je fais. Je viens de lire un article qui je trouve explique bien le travail du bijoutier contemporain ou artiste bijoutier. Cet article écrit par Madeleine Dore, 19 June 2015 et publié dans ArtsHub à l’occasion de l’évènement “Radiant Pavillion” à Melbourne du 1er au 6 septembre.

You can read the article in English by following the ArtsHub link. Following is the French translation.

Voici la traduction francaise de l’article:

“La bijouterie contemporaine est une forme d’art variée et célébrée. Dans cet article nous définissons ce medium artistique et explorons comment poursuivre une carrière de bijoutier contemporain

Melbourne se vante souvent d’être le centre culturel de l’Australie, mais peu de gens incluent la bijouterie contemporaine dans l’héritage artistique de la ville. Pourtant Melbourne est considérée mondialement comme un centre de la bijouterie contemporaine avec Amsterdam et Munich.

La célébration de la bijouterie et accessoires contemporains est le but de l’ouverture du « Radiant Pavilion ». Du 1er au 6 septembre plus de 170 artistes venant de 17 pays présenterons un programme d’évènements qui inclue des œuvres de rue, des expositions, des représentations et des installations, des présentations d’artistes, des ateliers et des studios portes ouvertes. C’est une occasion pour les bijoutiers de présenter leur travail à une nouvelle audience et à leurs collègues, de créer de nouveaux liens.

Un point central d’intérêt est de promouvoir la connaissance de cette forme d’art. La directrice d’une galerie de bijoux contemporains E.Goodsir dit que quand elle a commencé sa galerie il y a 17 ans, le bijou en tant qu’art était un petit créneau. « C’est devenu beaucoup plus connu mais je dirais que ce n’est pas encore devenu grand public. »

Qu’est ce qui fait qu’un bijou est une œuvre d’art, ou qui fait qu’un bijoutier est un artiste ? E. Goodsir a un Bachelor d’art spécialisé en Orfèvrerie de l’université de RMIT, elle considère que la bijouterie contemporaine est l’enfant naturel de l’art et de la mode.

Elle dit: « on aborde la bijouterie contemporaine comme si c’était une petite sculpture, mais les gens essayent constamment de l’associer à la mode ou au bijou fantaisie mais cela ne colle pas. Elle se tient entre les deux. »

De la même manière, la bijoutière Laura Eyles voit la bijouterie contemporaine comme le mariage de l’art, de la sculpture et de l’objet personnel et portable. Elle se présente elle-même comme un artiste et une orfèvre. « Mais quand je parle à des gens qui ne connaissent pas ce secteur je me présente comme une bijoutière qui travaille comme une artiste afin qu’ils ne s’attendent pas à voire une bague en diamants. »

Voici ce que dit Eyles pour nous aider à mieux apprécier l’art du bijou contemporain: “Je suggère que vous oubliez le solitaire en diamants, oubliez ce que vous avez vu dans le magasin de bijoux habituel. Voyez le bijou contemporain de la même manière que vous regarderiez une œuvre d’art dans une exposition, sauf qu’il y a là quelque chose de très spécial : vous pouvez prendre l’objet dans vos mains, vous pouvez le porter et c’est comme une installation en mouvement permanente. »

Ce qui apparente la bijouterie contemporaine à la sculpture et la transforme en forme d’art est la nature conceptuelle du travail.  C.Powel, la co-fondatrice de « Radiant Pavilion » a dit à ArtsHub qu’il ne s’agit pas seulement de la fabrication d’un élément décoratif, ou de la valeur de l’œuvre, mais comme pour tout artiste, il s’agit de la relation du bijoutier avec le monde et comment il ou elle exprime son expérience par l’intermédiaire de ce medium.

Certaines personnes approchent leur travail de bijouterie à partir des matériaux, d’autres commencent leur travail à partir d’une idée” dit Powel. « Je pense qu’il s’agit d’explorer des idées conceptuelles et d’explorer des matériaux, d’approcher la fabrication de ce point de vue au lieu de celui des modes et tendances saisonnières ».

Pour Goodsir, la bijouterie est un moyen d’expression artistique et une façon de raconter une histoire. « Une partie de la façon de vendre est d’expliquer ces histoires aux gens afin de leur permettre d’éveiller leur intérêt pour qu’ils s’impliquent. Qu’il s’agisse d’un artiste qui collectionne des os en provenance d’abattoirs afin de les transformer en bijoux, ou des bijoux faits de cartes pliées, il existe un point réel de connexion pour les gens. »

Comment devient-on un artiste bijoutier?

Bien que leur travail soit fondamentalement diffèrent de celui de la bijouterie traditionnelle, il est parfois nécessaire aux artistes bijoutiers de naviguer entre les deux domaines afin de pouvoir poursuivre leur carrière.

« Mon travail de bijouterie a toujours été focalisé sur la création d’objets artistiques miniatures, au lieu de me plier à ce que la mode dicte. Mais je veux continuer à fabriquer des bijoux pour le reste de ma vie, alors c’est une recherche d’équilibre constant dans ma tête – essayer de penser avec des concepts qui ne sont pas offensifs dans le domaine du bijou de mode, mais qui impliquent un peu plus de réflexion. »

Des gens de tous les horizons viennent à la bijouterie contemporaine, depuis le design industriel, la décoration d’intérieure, l’architecture, les sciences, ou d’autres secteurs dit Goodsir. « Je pense que pour beaucoup de gens faire des bijoux est un rêve et qu’ils jouent avec cette idée, ou bien ils font des bijoux secrètement à la maison, et puis il y a ceux peu nombreux qui décident d’en faire une carrière. »

Bien qu’il y ait des artistes bijoutiers qui se soient formés eux-mêmes, Goodsir dit qu’il est important d’acquérir des connaissances techniques. « A moins que vous enfiliez des perles ou que vous fassiez quelque chose de simple, vous avez besoin de beaucoup de compétences pour faire un bague ou fabriquer un fermoir ».

“Je pense que pour être un véritable bijoutier contemporain, vous avez besoin d’acquérir ces compétences. Si vous achetez le fermoir, alors vous faites du bijou fantaisie tout simplement. » Pour peaufiner vos compétences il est recommandé de suivre des formations longues ou courtes disponible dans des établissements spécialisés, publics ou privés tel.

Les bijoutiers émergeant commencent souvent par mettre sur pied eux-mêmes une exposition et par partager leur travail en mettant leurs images sur Internet. Beaucoup ont l’intention de pouvoir exposer dans une galerie. « Cela demande de la passion et de l’énergie, il faut qu’ils continuent de faire leur travail, et qu’ils continuent de créer des liens avec des gens » conclu Powel.

 

After Sydney, Brisbane…

After 10 days showing in Sydney the exhibition Attitude As Form (where I have a necklace) is now being presented in Brisbane at Artisan until 7 November. I am really pleased with this great exposure, and also very good media coverage through the International Jewellery Online magazine Klimt02

Après avoir été présentée pendant 10 jours à Sydney, l’exposition “Attitude As Form” (où j’ai un collier) est maintenant à Brisbane à la galerie “Artisan” jusqu’au 7 novembre. Je suis très heureuse de la visibilité de l’exposition, ainsi que de la couverture médiatique dans le magazine Internet international de bijouterie Klimt02

In Transit exhibition

in transit invite

Three pieces of jewellery of my serie Suburban Tribal will be presented  from 7 to 17 July  at the In Transit exhibition  in Sydney in conjunction with the JMGA biennale conference EdgesBordersGaps

Opening Saturday 11 July, 4 to 6pm. Depot II gallery,                               2 Danks Street, Waterloo, NSW

Trois bijoux de ma série Tribu de Banlieue seront présentés du 7 au 17 juillet à l’exposition En Transit à Sydney conjointement avec la conférence biannuelle du Groupe des Bijoutiers et Orfèvres d’Australie

Suburban Tribal 3, bangle. Repurposed plastic conduit & pipe, paint, thread
Suburban Tribal 3, bangle. Repurposed plastic conduit & pipe, paint, thread

With the Suburban Tribal serie, I associate life in Australian suburbs with one in a tribal society. In this context, jewellery is worn for rituals and to honour deities as well as for beautification and adornment. In our suburban society, we have placed the house and the car on an altar and we worship them in pagan rituals. In traditional tribal society, jewellery is usually made with humble materials that are easily available. This is the case of the discarded plastic pipes and conduits from building sites that I repurposed, they are not precious materials. This serie is part of a body of work I named A Renovator’s Dream – a pun on the loss of the meaning of the ancient indigenous Dreaming in contemporary Australia.

Suburban Tribal 4, ring. Repurposed plastic pipe & conduit, paint, acrylic, thread. © Blandine Hallé 2015
Suburban Tribal 4, ring. Repurposed plastic pipe & conduit, paint, acrylic, thread. © Blandine Hallé 2015

Avec la série ‘Tribu de Banlieue’, j’associe la vie dans les banlieues australiennes à celle d’une société tribale. Dans ce contexte, les bijoux sont portés pour des rituels et pour honorer des dieux, ainsi que pour la décoration et la beauté. Dans nos sociétés banlieusardes nous avons placé la maison et la voiture sur un autel et nous les vénérons dans des rites païens. Dans les sociétés tribales traditionnelles, les bijoux sont en général faits de matériaux humbles qui sont facilement disponible. C’est le cas ici pour les tuyaux et conduits que j’ai recyclés, ce ne sont pas des matériaux précieux. Cette série fait partie d’un ensemble de travail que j’ai appelé ‘Un Rêve de Rénovateur’ – un jeu de mot sur la perte, dans la société australienne contemporaine, du sens originel du Rêve aborigène.

pendant with red plastic circles and white acrylic squares threaded together
Suburban Tribal 2, pendant. Repurposed conduit, acrylic, paint, thread. © Blandine Hallé 2015

 

Attitude As Form online catalogue

There is an online catalogue of the exhibition that can be viewed here with two articles:

Attitude and Form, by Miriam Carter

Jewellery and Attitude, by Beau Allen

Stitches. pendant, sterling silver, antique buttons, red linen thread. © Blandine Hallé 2015

A Renovator’s Dream & the alchemy of repurposing

“Here stands the mean, uncomely stone,
Tis very cheap in price!
The more it is despised by fools,
The more loved by the wise. ”                                                                                              Arnaldus de Villanova, 13th century alchemist (1)

Oozing charm - closeup1
Oozing charm, close-up. © Blandine Hallé 2015
pendant, recycled timber & black plastic tubing, distressed paint
Oozing charm, recycled timber and plastic, paint, linen thread. © Blandine Hallé 2015

I find the activity of repurposing utterly exciting and satisfying. Somehow the verb ‘ to repurpose’ is more accurate than ‘to recycle’ in describing what I’m doing by creating jewellery out of junk: it  gives more the idea of an intent, a purpose. It’s not just avoiding the waste of material through the act of recycling, it is to adapt it for use in a different purpose.

There is something magical in the process of transforming a piece of discarded material into a piece of adornment. It feels like an alchemy, which is usually known as the ability to transform base metals into noble metals (gold or silver).

Making something beautiful out of scraps, of bits and pieces that I have collected, not only gives me pleasure during the process of creation and when seeing the final result, but also it is very empowering and structuring. As I create an object on the outside, I create myself from the inside. It helps me define who I am and what I do. I see beyond the junk, I visualise in my mind shapes and form. By making this vision or this dream real, I am projecting out something from within. Making conscious the unconscious.

It was through understanding the significance of alchemical symbolism that Jung came to formulate his central concept of individuation” says Maureen B. Roberts, Ph.D (2). She continues: “In the alchemical search for the Philosophers’ Stone Jung saw a direct parallel to the quest for the divine inner centre of the self. As base metals are gradually transmuted into gold, the ultimate unity and perfection, so unconscious processes manifesting themselves as archetypal images and symbols are transformed into the psychological equivalent of gold or the Stone, the undivided self. Thus the symbolism of the alchemical process represents a centralising and unifying instinct which culminates in the production of the self as a new centre of totality” (3)

Looking at what I have made, as if looking in a mirror, I see who I am.

pendant, recycled plastic orange rings and wooden slates threaded together
subdivide and prosper, plastic, wood, linen thread. © Blandine Hallé 2015

1. C.G. Jung, Memories, Dreams, Reflections. Article selection by S. Parker, PhD. Accessed 17/06/2015 http://jungcurrents.com/alchemy

2. M. B. Roberts, Beautiful Circuiting: The Alchemical Imagination in English Romantism, Text from: The Diamond Path: Individuation as Soul-making in the Works of John Keats, 1997. Accessed 17/06/2015 http://www.jungcircle.com/beautiful.html 

3. C. G. Jung, Psychology and Alchemy, trans. R. F. C. Hull, 2nd ed. (Princeton, NJ: Princeton UP, 1970) 115. Accessed 17/06/2015 http://www.jungcircle.com/beautiful.html

“Ici se tient la pierre mauvaise et laide

Qui vaut très peu en prix

Plus elle est méprisée par les idiots

Plus elle est aimée par les sages »

Arnaldus de Villanova, alchimiste du 13eme siècle (1)

Je trouve l’activité de réutilisation et de transformation passionnante et satisfaisante. Le mot ‘recycler’ n’est pas tout à fait assez précis pour décrire ce que je fais en prenant un vieux matériel et en le transformant en un bijou. En réutilisant et en transformant, il y a l’idée d’une intention déterminée. Il y a quelque chose de magique dans ce processus, une sorte d’alchimie, qui est habituellement connue comme la capacité de transformer les métaux de base en métaux nobles comme l’or et l’argent.

Faire quelque chose de beau à partir de déchets, de trucs ramassés ici et là, me procure du plaisir non seulement pendant l’acte de création et une fois terminé en voyant le résultat final, mais je trouve également que cette activité est très stimulante et structurante. Alors que je crée un objet à l’extérieur, je me crée également à l’intérieur. Cela m’aide à définir qui je suis et ce que je fais. Je vois au-delà du truc que j’ai ramassé, je vois dans mon esprit des lignes et des formes. En rendant cette vision ou ce rêve réel, je projette à l’extérieur quelque chose de l’intérieur de moi. Je rends conscient l’inconscient.

« C’était par la compréhension de la signification du symbolisme de l’alchimie que Carl Jung en est venu à formuler son concept central d’individualisation » dit M. Roberts (2). Elle continue : « dans la recherche alchimique de la pierre philosophale, Jung a vu un parallèle direct avec la quête du centre divin intérieur du moi. Alors que les métaux de base sont graduellement transformés en or, l’union ultime et parfaite, de la même manière les processus inconscients qui se manifestent sous forme d’images archétypes et de symboles sont transformés dans l’équivalent psychologique de l’or ou de la pierre philosophale, le soi non divisé. Donc le symbolisme du processus alchimique représente un instinct unifiant et centralisant qui culmine avec la production du soi comme nouveau centre de totalité » (3)

En regardant ce que j’ai fait, comme en regardant dans un miroir, je vois qui je suis.

Attitude As Form Exhibition

The piece I am presenting in ATTITUDE AS FORM EXHIBITION is named ‘Stitches’.

See Klimt02 International Jewellery Online post

Stitches, pendant, sterling silver, antique buttons, linen thread
Stitches, pendant, sterling silver, antique buttons, linen thread. © Blandine Hallé 2015

This show presents the work of 22 practitioners from Australia and New Zealand exposing a diversity of ideas and approaches to the creation of contemporary jewellery. The exhibition reflects current thinking in the fields of fashion, art, craft and design as they are explored and responded to within the field of adornment.

In this context I wrote about “Stitches”:

“The numbers embossed on the silver rectangles are a symbol of past events, like an imprint of memory. I used the images of numbers stamped on the Munich U-Bahn tickets when you validate them. They record where you have been, what day, what time. This reflects my own looking back at the story of my life as I am currently facing personal challenges and I am uncertain about the future. The straight lines of the rectangles act as a reassuring frame in my unsecure state of mind. In my head I am hanging on to some idea of perfection, which doesn’t exist in reality. I stitched the rectangles together with red thread: I am sawing up the cloth of my life, shredded, torn in pieces, trying to make sense of it. With those stitches, I am joining the edges of my wounds, so they can heal. The red thread is the blood running through my veins, keeping me alive and moving forward. Buttons tighten things together, join them. My mother gave me these antique buttons years ago. They represent the sweetness of childhood, that sense of security that you feel knowing your mother loves you. Through their roundness and softness, they bring balance to the rectangles in the necklace. In the same balancing way that knowing someone cares for me has a soothing effect and helps me overcome my difficulties. ”

The exhibition features the work of: Ari Athans, Miguel Aquilizan, Sun Woong Bang, Fatemeh Boroujeni, Zoe Brand, Laura Burstow, Yu-Fang Chi, Stella Chrysostomou, Anna Davern, Sharon Fitness, Anna Gray, Blandine Halle, Susan Hawkins, Alicia Lane, Bianca Mavrick, Claire McArdle, Marisa Molin, Christine O’Reilly, Claire Townsend, Michelle Wadsworth, Lisa Walker, & Alister Yiap.

Co-curated by Beau Allen and Miriam Carter.
Sponsored by Artisan, Brisbane and Gaffa, Sydney.

9 – 20 July 2015, Gaffa , 281 Clarence Street, Sydney CBD, NSW.
25 July – 7 November 2015,  Artisan, 381 Brunswick St, Fortitude Valley, Brisbane.
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Exhibition Display by Forrest Furniture.

Presented as part of the Jewellers and Metalsmiths Group Australia (NSW) 2015 conferences satellite exhibition program.   

L’exposition « L’attitude se fait forme » présente le travail de 22 professionnels d’Australie et de Nouvelle Zélande qui expriment des idées et des approches différentes de leur pratique de bijoutiers contemporains. Cette exposition est une réflexion sur le courant de pensée actuel dans les domaines de la mode, de l’art, de l’artisanat et du design tel qu’il est exploré dans la décoration et la parure.

Dans ce contexte, voila ce que j’ai ecris au sujet de “Stitches” (“Points de Suture”):

L’empreinte des chiffres sur les rectangles en argent sont symboliques d’évènements passés, comme l’empreinte de la mémoire. J’ai utilisé des images de chiffres tamponnés sur les tickets du train U-Bahn à Munich quand vous les compostez. Ils enregistrent où vous êtes allé, quel jour, à quelle heure. C’est le reflet de mon propre regard sur l’histoire de ma vie alors que je fais face à des défis personnels et que je suis incertaine du future. Les lignes droites des rectangles sont un cadre rassurant pour mon état d’esprit insécurisé. Dans ma tête je m’accroche à une idée de la perfection qui n’existe pas en réalité. J’ai cousu les rectangles ensemble avec un fil rouge : je couds le tissus de ma vie, déchiqueté, mis en pièces, j’essaye d’y trouver un sens. Avec ces points de suture je joins les bords de mes plaies pour qu’elles cicatrisent. Le fil rouge est le sang qui coule dans mes veines, qui me garde vivante et qui me fait avancer. Le rôle des boutons est de joindre les choses ensemble. Ma mère m’a donné ces boutons anciens il y a plusieurs années. Ils représentent la douceur de l’enfance, ce sens de sécurité que vous ressentez en sachant que votre mère vous aime. Leur rondeur et la douceur apportent un équilibre aux rectangles du collier. De la même manière, savoir que quelqu’un se soucie de moi a un effet apaisant et équilibrant qui m’aide à surmonter mes difficultés.

A Renovator’s Dream in progress

Continuing on my series  A Renovator’s Dream – repurposing discarded materials – to be presented at the exhibition In Transit in Sydney at Depot II Gallery from 7 to 17 July (invitation coming…)

a renovator's dream in progress

Je continue à préparer ma série “Un Rêve de Rénovateur » – en recyclant des matériaux qui ont été jetés – et qui sera présentée à l’exposition En Transit à Sydney à la Galerie Depot II du 7 au 17 juillet prochain

Commission work

Just finished a pair of sterling silver earrings for my friend Cally.

Je viens de terminer une paire de boucles d’oreilles en argent sterling pour mon amie Cally.

Cally's earrings_3054

She wanted the design of the earrings to be inspired by a necklace she has:

Elle voulait que le design des boucles soient inspirées par un collier qu’elle a:

004b

I drew several proposal of design from which she chose.

J’ai dessiné plusieurs propositions de design pour qu’elle choisisse.

In memoriam, Rosemary

In honour of my dear friend Rosemary, I will be wearing this necklace tomorrow at her funeral.

En l’honneur de ma chère amie Rosemary, je porterai ce collier demain à ses obsèques.

In memoriam, Rosie 1
In memoriam, Rosie 1

Her obituary reads: “her talent, intelligence, humour, integrity and loyalty has enriched the lives of family, friends, fellow musicians, colleagues and patients. Her life was a brilliant one.”

Sa nécrologie dit que : « son talent, son intelligence, son humour, son intégrité et sa loyauté a enrichi la vie de sa famille, ses amis, ses confrères musiciens, ses collègues et ses patients. Sa vie a été brillante »

She was fully in my heart and mind this last week as she inspired me in my studio, upcycling trashed plastic pipes into necklaces.

Elle était très présente dans mon cœur et mon esprit cette semaine passée pendant qu’elle m’inspirait dans mon atelier a “upcycling” des tuyaux de plastiques jetes en colliers.

In memoriam, Rosie 2
In memoriam, Rosie 2

With much love.

Traveling exhibition

The Marken-Schmuck exhibition is traveling.  After Studio G. Green in Munich, where it ended last week, now is the turn of Weilheim (40mn SW of Munich) at galerie Blickfang run by Gottlinde Singer until Christmas.

GSinger_Markenschmuck_Einladung

L’exposition Marken-Schmuck voyage. Après le Studio G. Green à Munich, où elle a fini la semaine dernière, c’est maintenant le tour de Weilheim (40mn au SO de Munich) à la galerie Blickfang de Gottlinde Singer jusqu’à Noël.

 

exhibition opening photos

Follow the link  to see the photos taken at the opening of the Marken-Schmuck exhibition in Munich by the local paper Westendonline (photos 7 to 29)

Marken-Schmuck opening
Marken-Schmuck opening

Suivez le lien pour voir des photos prises au vernissage de l’exposition Marken-Schmuck a Munich par le journal local Westendonline (photos 7 a 29)

award winning

I am feeling proud to have won the award for ‘addressing the theme most successfully’ at the Wear/Ware/Where exhibition ending this Sunday. It has been a very interesting and enjoyable experience to develop this body of work with the Passport serie.

award for 'addressing the theme most successfully'
award for ‘addressing the theme most successfully’

Je me sens fière d’avoir gagné le prix pour avoir ‘traité le sujet du thème avec le plus de succès’ à l’exposition Wear/Ware/Where qui se termine ce dimanche. Cela a été une expérience très intéressante et plaisante de faire cette série Passeport.