40 days 40 necklaces – day 6, “going around in circles”

Day 6, Going around in circles. Wood, sterling silver. © Blandine Halle 2015
Day 6, Going around in circles. Wood, sterling silver. © Blandine Halle 2015

It’s 9.30pm, I haven’t had dinner yet, just finished 12 hours of work for this piece.  I am happy with it. That photo was taken quickly under my bench light so not very good… will do a better one tomorrow.

… Back here a day later to upload a better photo taken with daylight

Il est 21h30, je n’ai pas encore diné, je viens juste de finir 12 heures de travail pour ce collier. Je suis contente du résultat. Cette photo a été prise rapidement sous la lumière de mon établi et n’est pas très bonne… j’en ferai une meilleure demain.

40 days 40 necklaces – day 3, “off the grid”

Day 3. Off the grid. Upcycled aluminium & plastic, sterling silver, silvered metal, paint, linen thread. © Blandine Hallé 2015
Day 3. Off the grid. Upcycled aluminium & plastic, sterling silver, silvered metal, paint, linen thread. © Blandine Hallé 2015

It’s very satisfying to see on one side ideas I have been carrying in my head  for a while, and on the other side materials that have been sitting on shelves  finally meeting and transforming themselves into reality…

C’est très satisfaisant de voir finalement se rencontrer et se transformer en réalité d’un côté des idées que j’avais  dans la tête depuis un moment, et de l’autre côté des matériaux entassés sur les étagères…


40 days 40 necklaces – day 1, “mourning”

Day 1, mourning. Brass, paint, mesh fabric, thread. © Blandine Hallé 2015
Day 1, mourning. brass, paint, mesh fabric. © Blandine Hallé 2015

Edited 13/1/2016: on 4 November 2015, in 40th day of the project, I decided to stop it on that day due to my mother’s sudden ill health that required me to travel to France unexpectedly.

On 25 Sept 2015: The idea has been stewing in my head for a while, since last March to be precise. I had then a really good bout of creative energy, experimenting with different materials and techniques, making a necklace every day. I would get up in the morning and all I wanted to do is go to my studio and make. I was having great fun and I thought that I would like to continue doing that for a period of time, a necklace a day.  And life went on with other priorities getting in the way…

Then last week I was in Brisbane and I went to Artisan gallery to see the exhibition ‘Attitude As Form’ where I have a necklace presented. On my way out of the gallery I noticed the display in the shop window and the writing – #100daysofmugs – I thought “that’s the idea”…

So here’s my project: making one new necklace every day for 100 days.

What started me today on this is some very sad news from a woman I recently met about her oldest son. I really feel for her and her family, and in wanting to express my empathy and sadness, the idea of this first necklace came. I called it ‘mourning’. I feel that life is such a fragile state, one day here, the next day gone.

So no more procrastination: today is the first day of my 100 days of necklaces.

Note du 13/01/2016: le 4 novembre 2015, j’ai arrêté le projet le 40ème jour à cause de la nouvelle d’un problème de santé soudain de ma mère qui m’a demandé un voyage en France de façon imprévue

le 25 septembre 2015: L’idée mijotait dans ma tête depuis un moment, depuis mars dernier pour être précise. J’ai eu alors une période de grande énergie créative, expérimentant avec différents matériaux et techniques, en faisant un collier chaque jour. Je me levais le matin et tout ce que je voulais faire c’est d’aller dans mon atelier et de fabriquer. Je m’amusais beaucoup et j’ai pensé que ce serait bien de continuer à faire cela pendant un temps : un collier par jour. Et puis la vie et ses priorités a repris le dessus…

La semaine dernière j’étais à Brisbane et je suis allée à la galerie Artisan pour voir l’exposition ‘Attitude As Form’ où j’ai un collier qui y est présenté. En sortant de la galerie, j’ai remarqué la présentation dans la vitrine et ce qui était écrit – #100daysofmugs (100 jours de mugs, ou de tasses), j’ai pensé « c’est ça l’idée »…

Alors voilà mon projet : faire un nouveau collier chaque jour pendant 100 jours.

Ce qui m’a fait démarrer là-dessus aujourd’hui ce sont les nouvelles très tristes que j’aie reçu ce matin d’une femme que j’ai connue récemment à propos de son fils ainé. Je pensais à elle et à sa famille et je voulais exprimer mon empathie et ma tristesse, c’est de là que l’idée de ce premier collier est venue. Je l’ai appelé ‘deuil’. Je sens que la vie est un état si fragile, un jour là, le lendemain partie.

Alors je ne remets plus au lendemain : aujourd’hui est le premier jour de mes 100 jours de colliers.

From plastic to timber, a common thread

Suburban Tribal, neckpiece. Upcycled plastic pipe & conduit, paint, thread. © Blandine Hallé 2015
Suburban Tribal, neckpiece. Upcycled plastic pipe & conduit, paint, thread. © Blandine Hallé 2015

“Art has a privileged status in the production of symbols of national identity.” 1999, ABC & NGV (1)

From plastic to timber, there doesn’t seem to be anything in common between these two materials, yet when I use them in making my jewellery pieces, I see an underlying thread that connects them: they both express my Australian identity. These two very different, opposed materials embody the two different, opposed aspects of the Australian landscape, two signifiers of national identity (2): the urban one and the other one – the bush – a term culturally understood in Australia to be any environment that is sparsely populated or uninhabited (3).

The urban landscape could be seen as the most important element to define my Australian identity if we consider that like most Australians I live in the great suburban sprawl that surrounds the cities(4). Yet the bush has a predominant place in my psyche as an Australian. The bush has been the foundation of a distinctive Australian culture, especially as expressed in Australian literature, painting and popular music. The bush is considered to form the national character and ethos of Australians (4).

I was born and grew up in Paris and in the Alps. I made my first trip to Australia in 1994 and immediately fell under the fascinating power of the bush. As Australian painter Russell Drysdale so well says it:

“It is an environment which I love and which I like to go back to, and for me it has a tremendous appeal, it is continually exciting, these curious and strange rhythms which one discovers in a vast landscape, the juxtaposition of figures, of objects, all these things are exciting. Add to that again the peculiarity of the particular land in which we live here, and you get a quality of strangeness that you do not find, I think, anywhere else. This is very ancient land, and its forms and its general psychology are so intriguing as compared to the other countries of the world that it in itself is surprising.” (5)

The Native, detail of necklace, sterling silver, linen thread. © Blandine Hallé 2015
The Native, detail of necklace. Marri timber, sterling silver, linen thread. © Blandine Hallé 2015

Living in Western Australia I take part in the contemporary and materialistic life in the suburbs that I describe in my Suburban Tribal series. But my sense of belonging to Australia is not limited to my experience of living in a city. I feel also strongly connected to and care for the land and its fragile ecosystem. I have a deep respect for the Aboriginal people and their culture. That is the other side of my Australian identity, the one I express with wood and other natural materials. I feel inspired by the way the Aboriginal people “traditionally have had a spiritual and nurturing relationship with the bush, seeing themselves as belonging to the landscape, intrinsically woven into its every fibre (Head 2000; Pascoe 2007; Read 2000).” (3)

The Migrant, detail of necklace. Upcycled Baltic pine, copper, linen thread. © Blandine Hallé 2015
The Migrant, detail of necklace. Upcycled Baltic pine, copper, linen thread. © Blandine Hallé 2015

I see my jewellery as being my commentary on my experience as a migrant in Australia, as in my last creations, “The Native” and “The Migrant” necklaces. Today I find myself very much in the position described by D.J. Finley:

“The Australian artist must always look in two directions, physically as well as aesthetically. First, he casts a backward glance over his shoulder at what Europe is doing, then he glances quickly around at his own landscape to see what it is that makes it different from the landscape of other countries. He looks away again to see whether there is anything he can learn from the works of the old masters or the young imponderables. Again a longer look at the world around him; he must paint what he sees, feels, thinks, or dreams, and he must live. And then again he looks abroad to see whether there is a market for his work in the wider and more populous world of Europe and America.”(6)

  1. ABC and NVG collaboration, 1999, “Russell Drysdale, Introduction”. Accessed online 12/09/2015 http://www.abc.net.au/arts/drysdale/themes/intro.htm
  2. Federation University Australia, ‘Pilar Mata Dupont, Guirguis New Art Prize 2015’, accessed online 12/09/2015: http://federation.edu.au/faculties-and-schools/faculty-of-education-and-arts/post-office-gallery/guirguis-new-art-prize-gnap/2015/pilar-mata-dupont-wa
  3. Penn, ‘The Influence of the Bush on European-Australian Identity in Australian children’s literature’, The Looking Glass: new perspectives on children’s literature, Volume 11, Issue 3, 2007. Accessed online 12/09/2015: http://www.lib.latrobe.edu.au/ojs/index.php/tlg/article/view/9/9
  4. Baker, ’Contemporary Australia. 5. Sydney or the bush?’. National Centre for Australian Studies, Monash University, 2005. Accessed online 12/09/2015: http://www.abc.net.au/ra/australia/pdf/sydney_bush.pdf
  5. Drysdale interview with Hazel de Berg, February 1960, quoted in The Reserve Bank of Australia Collection, 1992, p.34. Accessible online 12/09/2015 http://www.abc.net.au/arts/drysdale/beyond/literate.htm#cw
  6. J. Finley, ‘Art in Australia: Looking both ways’, Journal of the Royal Society of Arts, London, 21 June 1957, pp. 612-13. Accessed online 12/09/2015 http://www.abc.net.au/arts/drysdale/themes/intro.htm

Du plastique au bois, un lien commun

“L’art a le statut privilégié de produire des symboles d’identité nationale” 1999, ABC & NGV (1)

Du plastique au bois, il semble qu’il n’y ait rien de commun entre ces deux matériaux, et pourtant quand je les utilise pour fabriquer mes bijoux, je vois un lien qui les relie : ils expriment tous les deux mon identité australienne. Ces deux matériaux très différents, opposés, personnalisent deux aspects différents et opposés du paysage australien, deux  signifiants de l’identité nationale  (2) : l’urbain et l’autre – le « bush » – un terme culturellement compris en Australie comme étant un environnement qui est peu peuplé ou inhabité (3).

Le paysage urbain pourrait apparaitre comme l’élément le plus important qui définit mon identité australienne si l’on considère que, comme la plupart des australiens, je vis dans la grande étendue de banlieue qui entoure les villes (4). Pourtant le « bush » » a un place prédominante dans mon psyché en tant qu’australienne. Le « bush » a été la base d’une culture australienne distincte et particulière telle qu’elle est exprimée dans la littérature, la peinture et la musique populaire australienne. Le « bush » est considéré comme formant le caractère national et l’ethos australien (4).

Je suis née et j’ai grandi à Paris et dans les Alpes. J’ai fait mon premier voyage en Australie en 1994 et je suis immédiatement tombée sous le pouvoir fascinant du bush. Comme le dit si bien le peintre australien Russell Drysdale :

« C’est un environnement que j’aime et ou j’aime retourner, qui a pour moi un attrait énorme, qui est continuellement passionnant, ces rythmes curieux et étranges que l’on découvre dans le vaste paysage, la juxtaposition des formes, des objets, toutes ces choses sont très passionnantes. Ajoutez à cela en plus la particularité de ce pays même où nous vivons, et vous avez une qualité d’étrangeté que vous ne trouvez pas, je crois, nulle part ailleurs. C’est une terre très ancienne, et sa forme et sa psychologie sont si intrigantes comparées à celles d’autres pays dans le monde que cela n’est pas en soit surprenant. » (5)

Habitant en Australie Occidentale je prends part à la vie contemporaine et matérialiste dans les banlieues telle que je la décris dans ma série Suburban Tribal. Mais mon sens d’appartenance à l’Australie n’est pas limité à mon expérience de vivre dans une ville. Je me sens également très connectée à la terre et son écosystème fragile. J’ai un profond respect pour les peuples aborigènes et leur culture. C’est l’autre aspect de mon identité australienne, celle que j’exprime avec du bois et d’autres matières naturelles. Je me sens inspirée par la façon dont les peuples aborigènes ont traditionnellement une relation spirituelle et nourrissante avec le bush, se voyant comme appartenant au paysage, tissés intrinsèquement dans sa fibre même (Head, 2000 ; Pascoe 2007 ; Read 2000). » (3)

Je vois mes bijoux comme un commentaire sur mon expérience de migrant en Australie, comme dans mes créations récentes avec les colliers « Le Natif» et « Le Migrant ». Aujourd’hui je me trouve tout à fait dans la position décrite par D.J. Finley :

« L’artiste australien doit toujours regarder dans deux directions, physiquement ainsi qu’esthétiquement. En premier il jette un regard en arrière au-dessus de son épaule pour voir ce que l’Europe fait, puis il regarde rapidement autour de lui son propre paysage pour voir ce qui le différencie des paysages des autres pays. Il regarde de nouveau ailleurs pour voir si il y a quelque chose qu’il peut apprendre du travail des anciens maitres ou des jeunes difficiles à catégoriser. De nouveau un long regard sur le monde autour de lui ; il doit peindre ce qu’il voit, ressens, penses, ou rêve, et il doit vivre. Et de nouveau un regard à l’étranger pour voir si il y a un marché pour son travail dans le monde plus grand et plus peuplé de l’Europe et de l’Amérique » (6).